Сочинение на тему Мои уроки по искусству 1000 класс
- Опубликовано: 20.08.2020
- Предмет: Изобразительное искусство
- Темы: Джефф Кунс, Художники
Итоговый документ
Раздел 1
Как и любой другой онлайн-курс, я не знал, что делать, кроме как при поступлении в Art 1000. Я возлагал на меня довольно низкие надежды и думал, что это будет просто. Ни дня в классе я не узнал, что это будет полная противоположность. Курс, который длился всего 3 недели, устанавливал его очень быстрыми темпами, что означало, что любой студент, изучающий этот курс, должен был бы уделить время и усилия. Ну, это именно то, что я сделал. В течение последних трех недель я заставлял себя тратить как минимум 4 часа своего времени на работу над каждым заданием, и я могу сказать, что работа окупилась. Благодаря лекциям Марка Гетлейна и «Жизнь с искусством» я очень хорошо освоил знание и определение искусства.
Первое, чему я научился в этом классе, было то, что искусство – это всегда выражение художника. Искусство это общение; будь то художник, показывающий нам что-то, рассказывающий нам что-то или заставляющий нас испытать что-то. Первая сессия показала мне, как смотреть на искусство, проводя описательный анализ. Шаг за шагом прорабатывая то, что вы изначально видите в пьесе, объясняя ее элементы, придавая смысл этим частям и, наконец, достигая мнения по всем этим вопросам. Во второй сессии я узнал больше об этих элементах, которые входят в работу. Формальными элементами, также известными как визуальные элементы, являются линия, форма, форма и масса, свет, цвет и ценность, текстура и рисунок, пространство, время и движение. Принципы дизайна – это единство и разнообразие, баланс, акцент, фокус и подчиненность, масштаб, пропорция и ритм. Узнав о каждом из этих элементов и о том, как они соотносятся с работами художника, стало легче понимать смысл каждой отдельной картины.
На третьем занятии нам были представлены тематические категории, и мы начали работать в группах с нашими онлайн-коллегами. Это стало общим заданием с пятого по восьмое заседания, что дало нам прекрасную возможность поделиться идеями и получить отзывы о нашей работе. Моя группа просмотрела тематическую категорию «Воображение и фантазия» («Изобретения и фантазия Гетлейна») и определила различные темы для конкретной работы, которая была выбрана. На протяжении всего этого процесса мы знакомились с идеей сюрреализма. На четвертой сессии нашим заданием было посмотреть на произведение Puppy Джеффа Кунса и найти связь между произведением и материалами, использованными для его создания. Делая это, я узнал, что материал имеет значение при создании искусства. Это может сделать весь кусок; даже при изменении среды может измениться, как часть попадает зрителям. В третьем задании 4-го сеанса мы должны были посмотреть фильм «Гражданин Кейн» из 40-х годов и установить возможные темы и репрезентации в фильме. Сделав это, я узнал, сколько идет в производство и как даже самая маленькая вещь, такая как угол камеры или звук, может символизировать нечто гораздо большее в истории.
Как можно себе представить, это большая работа, которую я изучил за последние три недели. Не изучив все это, я был бы как большинство зрителей искусства, которые «не понимают этого». После изучения всего, что у меня есть, я больше ценю искусство, будь то само искусство, художник или художественное творчество, стоящее за всем этим. Есть много того, что нужно художнику, создавая произведение, которое они визуально сообщают. Три самые важные вещи, которые я узнал, которые помогли мне лучше понять художественные работы, это понимание визуальных элементов и принципов дизайна, знание фона художника и выяснение причин, какие материалы они используют. Например, глядя на «Джунгли» Уилфредо Лама, я бы никогда не понял этого, не узнав о пространстве, цвете и стоимости. В этом случае Лэм специально выбрал синий и зеленый цвета, чтобы изобразить ночную или темную сцену. Я также никогда бы не понял, как он включает масштаб и пропорцию в свою живопись, а также тему и тему. Лэм использовал диспропорцию между формами, чтобы создать непростой баланс в тяжелой верхней части композиции и более открытой нижней части. Предмет живописи Лама основывался на масках африканцев / жителей тихоокеанских островов, которые он нарисовал после возвращения на Кубу из Европы.
Опыт Вильфредо Лама в путешествиях и участие в сюрреалистическом движении оказали влияние на его творчество, которое является примером знания прошлого и жизни художника, чтобы понять его работу. Работа Пита Мондриана – еще один художник, которого я выучил, чтобы «понять», что вам нужно глубже погрузиться в его ранние работы. Трудно понять картину Пита «Яблоня в цветке» с первого взгляда, если только вы не знакомы с его Красным или Серым деревом. Мондриан разработал свою работу на основе пространств в живописи, а не самих деревьев. Он был сосредоточен на чистоте и начал устранять элементы из своей работы с годами. Помимо изучения основ художника и его более ранних работ, еще одной важной вещью является знание материалов, которые они используют, и того, как это связано с самой работой. Щенок Джеффа Кунса был специально сделан из цветов, чтобы донести до зрителей счастье и безопасность. Он объединил два самых сентиментальных визуальных изображения – цветы и щенков – чтобы привлечь определенные эмоции своих зрителей. Вибрация и оптимизм цветов – вот что сделало Puppy таким, каким он был. Вся концепция Puppy изменилась бы, если бы материалы изменились на что-то из мрамора или стали.
Я думаю, что информированный зритель будет иметь положительные последствия для зрителя, помимо того, что он ценит искусство. Смотреть на произведение искусства может быть ошеломляющим и запутанным, но это не значит, что это легко. Художник тратит годы на создание этих произведений, поэтому по большей части их не бросят прямо в лицо; это займет время, чтобы выяснить. Потратив время на изучение и изучение не только самого произведения искусства, но и истории художника и того, как его работа развилась, можно сделать ваш опыт работы с произведением искусства более интимным. Это захватывающее чувство, когда вы, наконец, «получаете» часть работы.
Раздел 2
Линейная перспектива – это техника, используемая художниками, в которой относительный размер, форма и положение объектов основаны на линиях, сходящихся в точке на горизонте. При этом формы, кажется, уменьшаются в размерах по мере того, как они отступают от нас. Когда линии сходятся на горизонте, они исчезают, и это называется точкой схода (Getlein 105). В «Даньских деньгах» Масаччо использует линейную перспективу, перекрывая людей на картине, заставляя некоторых казаться ближе и дальше. Наряду с этим, горная сцена показана на заднем плане. Он использует линейную перспективу, чтобы создать иллюзию того, что этот пейзаж находится далеко и высоко, касаясь неба. В Афинской школе Рафаэль использует линейную перспективу, создавая две стены, которые сходятся к раскрытию неба. По мере того как стены отступают все дальше, они становятся ближе друг к другу, пока дверь не откроет небо. Наряду с этим он использует лестницы, чтобы передать те, что внизу, больше, потому что они ближе, а те, что наверху лестницы, меньше, потому что они находятся дальше.
Тема, композиция и линейная перспектива взаимосвязаны в искусстве эпохи Возрождения. В искусстве раннего Возрождения доминировали религиозные темы. В Деньгах Дани Масаччо создал двухточечную линейную перспективу с расположением Христа. Композиции этих типов картин были сбалансированы, потому что все было относительно симметрично, чтобы линии сходились на горизонте. Леонардо да Винчи использовал тему, композицию и линейную перспективу при создании своей картины «Тайная вечеря». Религиозная тема изображает собрание Иисуса Христа и других, обедающих до распятия Христа. Да Винчи создает одноточечную линейную перспективу, помещая Христа в точку схода, как это делает Масаччо. Композиция этой картины также сбалансирована, с Христом посередине и симметричным количеством людей слева и справа от него. С левой и правой стороны дороги четыре двери, сходящиеся к задней стене с тремя окнами.
Отличная техника, которую использовали художники, – это включение самого художника в свои работы (конспект лекций). Погребение графа Оргаза Эль Греко и Лас Менианс Веласкеса делают прекрасную работу по достижению этой цели. Присутствие каждого художника в своих работах усиливает общий имидж и смысл их. Как и многие художники, Эль Греко и Веласкес включают себя в свои картины, чтобы создать новую перспективу и включить свои собственные взгляды на рассказываемую историю. В Las Menians Веласкеса можно увидеть в левом углу, смотрящего прямо на зрителя. На картине изображен закулисный взгляд на испанский двор, включая короля и королеву на заднем плане в рамке или в зеркале. Теории предполагают, рисуя самого себя и имея висящую картину или зеркало на заднем плане, его аудитория смотрит с точки зрения королевской власти, отраженной в этом зеркале (Mental Floss). Погребение графа Оргаза содержит изображения как Эль Греко, так и его сына. Эль Греко можно найти в ряду скорбящих слева от центра, а его сына можно увидеть на переднем плане одной рукой на длинном факеле. На кармане его сына – год его рождения на его кармане (Mental Floss). Я думаю, что Эль Греко хорошо поработал, включив себя и свою семью, не прерывая и не убирая само произведение искусства. Уровни реальности в каждом из этих изображений усиливают произведение благодаря мастерству художника. Существует большой реализм, заставляющий картины чувствовать себя так, как будто это настоящие люди в реальном времени. Еще одна картина, демонстрирующая это, – «Пепел Фокиона» Николаса Пуссена. На этой картине пейзаж выглядит так, как будто это фотография. Это выглядит настолько реалистично, что зритель может почти представить себя там в тот момент.
Я считаю, что у художника есть несколько альтернатив, чтобы включить себя в свою работу, не включая автопортрет себя. Я думаю, что многие артисты делают это без нас, даже не подозревая об этом. Многие художники могут включать в свои картины предметы, которые символизируют определенные аспекты их жизни, о которых зрители и не подозревают, если не углубятся в жизнь художника. Примером может служить Ван Гог и его работа по созданию кусочков ландшафта и природы. Хотя он не включает себя в эти картины, он дал понять, что именно этот тип работы определяет его и доставляет ему удовольствие.
Раздел 3
Создавая свой автопортрет, я бы не выглядел реалистично, а скорее с творческой и веселой стороны, все еще напоминая меня. Я создал бы картину на большом холсте, намного больше, чем мое 5-футовое тело. Я бы использовал различные акварельные краски, чтобы убедиться, что каждый цвет не соответствует тому, что обычно бывает в реальной жизни. Например, вместо того, чтобы красить мои волосы в коричневый цвет, как они есть на самом деле, я мог бы покрасить их в фиолетовый или синий цвет и сделать их розовыми.
Я бы создал свою картину, ориентируясь на цвет и ценность, чтобы быть уверенным, что мой портрет насыщен цветом. У меня большая личность, она теплая и наполнена смехом, поэтому я бы позаботилась о том, чтобы мои цвета были теплыми, но яркими. Я бы использовал текстуру и узор, чтобы представить глупость и насколько я непредсказуем. Возможно, я бы текстурировал свои волосы так, чтобы они имитировали конфетти, и использовал узоры в форме сердца на моих губах, с символом звезды в качестве моих учеников. Я бы хотел, чтобы мои губы были в центре моей живописи, потому что мои губы – моя любимая черта. И не только это, но рот, являющийся основной частью работы, будет символизировать важность права говорить и озвучивать ваши ценности и убеждения.
Я бы обязательно использовал иконографию в своей картине, чтобы сделать портрет более личным. Я бы присутствовал на моем изображении, как портрет Моны Лизы, но я хочу преувеличить то, как я выгляжу; почти как если бы я был сделан во сне. Теоретически, да, это мой автопортрет, но я бы не хотел, чтобы мои зрители сразу узнали, кто эта женщина на картине. Я хотел бы, чтобы мои зрители старались изо всех сил интерпретировать картину и понимать символы. Другим символом, который я бы использовал, чтобы описать меня, было бы создание синей капли с пузырьками везде. Пузыри позади меня будут отражать, насколько игристой является моя личность, но синий цвет на заднем плане заставляет картину чувствовать себя так, как будто мы под водой; который представлял бы мое детство, проводящее мое время в воде с моим отцом. У меня также были бы две белки, лежащие на моих плечах. Как бы странно это ни было, это будет представлять время, проведенное ребенком, играющим под деревьями и наблюдающим, как белки ищут желуди. Как бы просто это ни звучало, это была большая часть моего детства.
Картина «Автопортрет с обезьянами» Фриды Кало (Getlein 66) вдохновила мое видение собственного автопортрета таким образом, что первое, о чем я подумала, услышав «портрет», была ее работа. Одна важная часть, которая повлияла на мою идею автопортретов, – это окружающие ее обезьяны. Я думал, что это добавило так много к ее картине, и заставило зрителя спросить, почему они были размещены там? Из-за любопытства животных, это заставляет зрителя проводить исследования и копать глубже. Другая часть ее портрета, которая повлияла на меня, заключалась в том, что вы могли видеть только листья на заднем плане, без света и глубины между ними. Вот так я представляю свой портрет; просто синий фон с пузырьками везде.
Глядя на разные века и их названия, я мог только удивляться, как будет называться 21-й век. Я чувствую, что философия, которая лучше всего определяет наше время, будет связана с технологиями. Мы так далеко продвинулись в технологиях и теперь можем создавать произведения искусства одним касанием. Есть бесконечные возможности, когда дело доходит до создания искусства с помощью технологий …
Джексон Поллок (Джексон Поллок и Джексон Поллак, 28 января 1912 г. – 11 августа 1956 г.) – влиятельный американский художник и абстрактное экспрессионистское движение основных
Художники по своей сути являются частью цикла джентрификации из-за роста творческой среды. Это сопровождается наплывом инфраструктуры, эксплуатацией местных жилых помещений и постоянным появлением более богатого
Энди Уорхол Энди Уорхол был художником, который славился своими работами в поп-арт. Он был самым известным за картины банок супа Кэмпбелла, а также использовал различные